一：中国音乐的起源与发展
　　所谓琴也就是乐器，是一种能奏出音乐的工具，同时也是一种人们感情表达的艺术工具。琴缘起于五千 年前的原始社会。 在原始时期，人类不断发展进步，开始使用了工具，这同时也启发了人们的智慧。这种直接或间接使人类的祖先在生产劳动中萌发了制造乐器这一最初的想法。人类开始用嗓音歌唱，而且在竹管上凿出孔或者张弦抚弄以奏出奇妙的声音来伴奏游戏，乐器就这样产生了。
　　"音"在商代甲古文中和言语的"言"是一个字，"言"在甲古文中是单管乐器的象形字，下边是口，上边是一支竖立的古代箫管，用嘴吹箫管而发音，这就是言的本意，这正反映出远古时代原始人类的音乐（ 歌唱）和语言密不可分的相互关系。
　　"乐"字在甲古文中其形如木上张弦，也是琴瑟之类的弦乐器的象形。音和乐两字的含意相近，在战国末期的《吕氏春秋*大乐篇》中便已经连用："音乐之所由来者远矣。"
　　在古代中国的帝尧时代就有了《击壤歌》，其歌词大意为"日出而作，日落而息，掘井而饮，耕田而食"。这里的"壤"就是指大地。人们把大地被当作可以发声的乐器，在生产劳动中一边击地，一边唱歌。 这为乐器的产生奠定了基础。说明了乐器的缘起与人类的生产劳动有着十分密切的关系，生产劳动不仅创造了人类，同时也创造了乐器。
　　 中国古代的乐器，最早的可以说是土鼓。《礼记*明堂经》记载："土鼓，蒉桴，伊耆氏之乐也。" "夏后氏之足鼓。"以上记载说明了最初土鼓的形式。
古代的乐器有以下几种：
（1） 磬：
　　是古代石制的一种打击乐器。甲古文中磬字左半像悬石，右半像手执槌敲击。磬起源于某种片状石制劳动工具，其形在后来有多种变化，质地也从原始的石制进一步有了玉制、铜制的磬。
（2） 钟：
　　是古代的一种打击乐器，是新石器时代晚期遗物。商代以来的钟是用铜制成的，人们看到的多为大、小三枚组合起来的编钟，成为按一定音列组成的乐器。
（3） 埙：
　　是古代的一种泥土制作的吹奏乐器，最早的埙为陶制，有橄榄形、圆形、椭圆形、鱼形等。有一音孔、二音孔、三音孔、五音孔等多种。后代的埙主要用于宫廷雅乐，民间也有流传。 原始社会乐器的创造是当今乐器迅猛发展的根缘。
目前世界上有几万种乐器，其发展按照以下的规律进行：
　　A：形式上由不定型到定型；
　　B：种类上由少到多；
　　C：音律上由不定音到固定音
　　D：由不相联属的单音到有一定高低关系的音列。
　　乐器的分类大致可以分为：管乐器、弹拨乐器、拉弦乐器、打击乐器。
二：西洋音乐史
（一）按照音乐风格划分：
　　西洋音乐史发源于距今约3000年的古希腊，从文艺复兴开始蓬勃发展。在不同的时期，由于人们的欣赏不同，音乐风格也丰富多彩，人们把风格大致相同的阶段被归为一个阶段， 简介如下：
1：巴洛克时期(1600-1750)
（1）巴洛克时期的起止：
　　1600年歌剧诞生，1750年德国伟大作曲家巴赫去世人们把这个时期称为"巴洛克时期"。巴洛克的名字源于葡萄牙语，原指形状不规则的珍珠，艺术史用于称呼17世纪豪华、精致的建筑风格，后来却成为了17 世纪新音乐的代名词。
（2）巴洛克时代音乐的特点是：
A：题材上摆脱宗教的束缚，采用富有生活气息和戏剧情节的题材；
B：风格上由肃穆、清高转为感情充沛奔放，富有生活气息；
C：体裁上出现歌剧、清唱、芭蕾及组曲、协奏曲、奏鸣曲、赋格等。
（3）代表人物：
A：意大利：科莱里，维瓦尔迪；
B：法国：库泊兰和拉莫；
C：德国：巴赫和亨德尔；
2：古典主义时期(18世纪中叶-19世纪初)
（1）古典主义时期的起止：
　　18世纪中叶,随着工业革命和科学技术的发展及法国大革命的冲击,欧洲的社会发生了深刻变革。艺术已不再仅仅是贵族所欣赏的高雅艺术，新崛起的中产阶级也成了剧场和音乐厅的观众。因此，来自民间的喜歌剧和平易生动的器乐音乐大量涌现。
（2）古典主义时期音乐的特点：
　　这个时期被历史学家和美术学家推崇为"古典"，在音乐领域，古典的风格表现在艺术上崇尚理性，音乐语言朴素精练，以严谨和谐的形式表达淳朴真挚的感情。这一时期堪称欧洲音乐史上辉煌成就，同时也影响着世界各国音乐的发展。
（3）古典主义时期的代表人物：
　　 海顿、莫扎特、贝多芬。
3：浪漫主义时期(19世纪20年代-20世纪初)
（1）浪漫主义时期的起止：
　　18世纪末、19世纪初的欧洲资产阶级民族和民主革命时期，以奥地利作曲家舒伯特的艺术歌曲和德国作曲家威伯的歌剧为标志开始形成浪漫主义形式，一直延续到19世纪20年代。
（2）浪漫主义时期音乐的特点：
　　浪漫主义与古典主义音乐的崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式不同，强调的是主观性，注重个人情感表达，偏重个性化的心理的刻画，感情热烈而奔放，形式上不受拘泥，各民族音乐家的作品充满了鲜明的民族风格。
（3）浪漫主义时期的代表人物：
　　浪漫主义以19世纪中叶为标准划分为前后两个时期。
A：前期：浪漫主义音乐发展到高峰，代表作曲家有萧邦、舒曼、李斯特、瓦格纳、柴科夫斯基等；
B：后期：随着欧洲革命低潮时期的到来，浪漫主义音乐中的消极悲观情绪逐渐加深，大批音乐家、作曲家创作除了表现个人情感体验外，还常常倾心于表现某种哲理思想，企图找到精神的出路。代表作曲家有马勒、勃拉姆斯、格里格、西贝柳斯、拉赫玛尼诺夫等。
（二）按照时间划分：
1：中世纪
　　音乐很早就开始在基督教教堂里发挥作用了。教堂音乐接受了希腊人、希伯莱人和叙利亚人的影响。把不断发展的圣咏及时集中到有组织的礼拜仪式中。六世纪末，教皇格里高利一世（590年到604年）改革了基督教的音乐。格里高利圣咏（也叫做无伴奏齐唱乐）从希腊和希伯莱音乐而来，它只有单一的旋律线。没有和声与对位。它的自由流动的声乐旋律精妙地配合了拉丁文歌词的抑扬顿挫。格里高利圣咏的旋律没有规则的重音，它所表现出来的可以叫作音乐中的散文节奏，或叫自由体节奏，这不同与我们在二拍子或三拍子有规律的出现重音的音乐中碰到的那种韵律诗节奏。 在罗曼风格时期（约850－1150），西方音乐史上出现了极为重要的发展：复调音乐作为最重要的音乐风格出现了。这个发展与绘画中的透视科学的发展大约是同时出现的，这样，具有深度的听觉和视觉一起进入了欧洲文化，这必然产生出一些非常有意义的作品。这一发展形成于哥特时代（约1150－1450）。这个时期里，封建宫廷音乐家和行吟诗人的艺术使世俗音乐繁荣起来。更重要的，在这个时期里建起了有唱诗班和管风琴的大教堂。建筑术的进展，使宏伟大厦的建设成为可能，在音乐中也产生了相应的东西。对位法的新科学达到了技巧的高峰。精通音乐的艺术家大部是僧侣和教士，他们掌握了通过不同的对位手段来构成大型音乐作品的艺术。在这时候，他们的主要兴趣放在音乐因素的结构性结合上，这就解释了"作曲家"(composer)一词是从拉丁文componere(放到一起)派生来的，哥特时代后期有创造力的音乐家认为自己首先是一个建筑能手。
2：文艺复兴
　　从十一世纪末到十三世纪末，欧洲发生了十字军东征事件。在音乐方面，大批游吟诗人、游吟歌手、抒情歌手出现。他们使用的是类似竖琴的小型手琴或古提琴族内的乐器，他们的演唱涉及情歌、叙事诗式的故事、自然的赞美诗以及宗教和道德等方面的内容。 从十三世纪中后期到十四世纪，哥特风格的艺术在北欧悄然兴起，并明显地表现于建筑方面。在音乐中 ，哥特风格虽然没有形成代表一个时代的形式，但在起始于奥干努姆的复调形式中，却相当明确地表现出哥特风格的特征。在十三世纪的经文歌中，除了庄严的格雷戈里圣咏的固定旋律外，还有采用舞蹈和爱情歌曲的旋律，配以不同歌词和拍子共同歌唱的形式。 十四世纪下半叶，欧洲的社会意识形态开始发生深刻的变化。一些先进的、具有推动意义的新思想酝酿并逐渐传播开来。其中最有代表性的是人文主义思想。人文主义主张以人为本，人是社会的主宰而并非是神。颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。提倡人性，反对中世纪的禁欲主义。 在人文主义思潮的影响和推动下，欧洲发生了一场涉及政治、文化等多方面的深刻的变革--"文艺复兴" 运动。继文学、美术等文艺形式之后，音乐也进入了"复兴"时期。这一时期的音乐，世俗音乐越来越占有更加重要的地位。音乐作品中对于人的内心世界以及自然美的描写变得十分突出，以此形成了全新的音乐风格，并产生了众多的器乐体裁和歌剧形式。一些富有个性的作曲家如帕勒斯蒂里那、拉索、兰迪诺、杜法伊和蒙特威尔第等人进行着卓越的音乐活动。他们的创作充满着新音乐的倾向，具有重要的开拓意义。在这个时期里，音乐艺术是全面发展的，当时的复调音乐在十六世纪已发展到黄金时代。音乐理论在这时期也趋向成熟：大小调的调性体系已基本确立；和声的功能体系也正在萌芽和发展中；记谱法已由字母法和符号法 转为二线谱、四线谱直至五线谱；对位法的应用也已到了十分丰富的程度。这一时期中，器乐的独立性越来越强烈；乐器的发展也逐步加快了步伐。当时的古提琴、短号、小号、长号、管风琴和琉特琴等乐器都已活跃在音乐舞台上，而文艺复兴后期小提琴和古钢琴的出现，更使音乐艺术增添了耀眼的光彩。
3：巴洛克
　　巴洛克风格音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。
　　现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是"对比"的概念。文艺复兴时期的音乐进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。"对比"可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢（快与慢的段落对比或快慢声部间的对比）；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式（此词本身意味着明显的对比因素），这种形式的基本特点是织体的变换，有时用一个声部（独奏）或几个声部，有时用较大的群体合奏。最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做"单声部歌曲"（monody），它是一种独唱歌曲，大致是在上面有一个流畅的人声声部，配以琉特琴或羽管键琴的伴奏，伴奏的进行较为缓慢，这一体裁的代表人物（在某种程度上可以说是创造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，约1545-1618）在他划时代的作品《新音乐》歌集中，人声的旋律依循歌词的意义，变化极大，在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性；而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部形成对照。卡奇尼属于佛罗伦萨的"卡梅拉塔会社"（一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体）成员，他在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念，这个团体遵循这个概念采用了"单声部歌曲"的形式。上述"伴奏"这个词，在文艺复兴时期音乐中几乎不用考虑，作为一个观念，它属于巴洛克时期，它意味着乐器声部之间的地位不同。事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性。与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回族曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。巴洛克时期欧洲各国的音乐 巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。并且促成了后来的洛可可艺术的兴起。这一时期的音乐以德、意、法等几个国家最具代表性。
　　1. 巴洛克时代的德国音乐巴洛克时代的德意志音乐，以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，他们的音乐就好比是塔顶，因为他们不但吸收了文艺复兴以来意大利的新音乐，而且开拓了一条全新的道路。许茨（HeinrichSchutz，1585-1672年）二十四岁时赴意大利留学，师从于威尼斯乐派的大手笔加布里埃利（GiovanniGabrieli，1557-1612）。回国后，他发表了第一部德文歌剧《达夫内》，后来还创作了许多的受难曲。许茨与巴赫和亨德尔恰恰相差了一百年，他的风格对于这两位巴洛克音乐大师的创作有着重要的影响。亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在传统音乐的集大成方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放射着异彩。亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧音乐，在他的器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影 ；巴赫音乐则在声乐作品中含有强烈的器乐因素，这为古典主义时代的到来奠定了坚实的基础。
　　2. 巴洛克时代的意大利音乐歌剧这一伟大的艺术形式，诞生在"音乐的摇篮"--欧洲文明古国意大利。 在当时的佛罗伦萨，有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴趣的贵族。这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，于是他们开始给古老的希腊故 事谱曲，并由合唱队穿上戏装把整个故事演唱出来，这就是歌剧的雏形。发展到后来，故事里的角色分别由歌唱者担任；在合唱节目之间，则由男女歌唱家分别担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词被处理成半唱半说，这种歌唱很象一首赞美诗，被称为宣叙调；而强烈的感情则是真旋律来表现的，称为咏叹调。而后，咏叹调被专门用来炫耀歌手的美好音色。当时，一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国上演，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣叙调部分的演唱则是用本国语言。在意大利的巴洛克音乐中，可与早期歌剧相媲美的还有弦乐，当时歌剧的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。
　　这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe Torelli，1650-1708）、科莱里（Arcagello Corelli，1653-1713）、维塔利（T.Antonio Vitali，1665-1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼 （Giuseppe Tartini，1692-1770）等，他们都早于巴赫。这些音乐家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音乐的作曲家。意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人中，小提琴制作家可谓层出不穷，如阿玛蒂、瓜内利和斯特拉第瓦利等，他们精心制作的小提琴，至今还活跃在舞台上，展现出无穷的艺术魅力。
　　歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。可见，巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远。 巴洛克时代的法国音乐在当时的法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各王侯贵族的府邸内极为盛行。这一时期的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独立成长，已经接近于舞剧的形式。
　　在巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean BaptisteLully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律优美，同时又具有很强的舞蹈性；其内容辛辣、幽默，入木三分。与歌剧同时盛行的是古钢琴音乐。古钢琴常常附以代表巴洛克文化的装饰，它与羽管键琴等同为现代钢琴的前身。当时的古钢琴大师有库普兰（Francois Couperin，1668－1733年）和拉摩（J.P.Jean Philippe Rameau，1683－1764年），他们为古钢琴谱写了许多组曲，其中的很多曲目至今仍广为流传。1722年出版的《和声学概论》（拉摩著），是音乐史上最早的和声学理论著作。
4：古典主义
　　音乐中的古典主义时期是以四位维也纳乐派的大师--海顿、莫扎特和贝多芬和舒柏特--及其同时代音乐家的成就为中心的。他们的艺术是在进行伟大的音乐实验和发现的时代中成熟的。当时，音乐家面临三个挑战性的问题：第一，探索大－小调体系所具有的全部可能性；第二，完善一种纯器乐的大型曲式，这种曲式能最大限度地发挥那些可能性；第三，区分已应用了这种理想曲式的奏鸣组曲的不同变体--独奏奏鸣曲、二重奏鸣曲、三重奏、四重奏及其它室内乐形式、协奏曲以及交响曲。如果我们说"古典主义"一词，是指坚持传统的形式，那我们肯定不能把这个词安在维也纳乐派的作曲家头上。他们在处理素材时，不断进行大胆的实验。甚至从时间上说，古典主义这个词也并不很适合于音乐。"古典主义"一词用于四位维也纳乐派大师的艺术时，只有一个含义，但它却是最重要的一点："从属于最完美的秩序。"他们发展了一种器乐的动力性语言，对主题产生和发展的过程来说是完美的手段。他们完善了由理性和逻辑产生出来的庞大构思，它的整体结构十分灵活，足以让最多样化的情感得以自由地表现。这样做使他们创造出了一个音乐思想和音响的新世界。
5：浪漫主义
　　浪漫主义产生于法国大革命以后的社会的和政治的动乱之中，它支配着十九世纪的艺术。早期浪漫派的代表人物有威柏和舒柏特。舒柏特的艺术歌曲广为流传，而肖邦、舒曼和李斯特则把钢琴音乐推向了新的高峰。柏辽兹、李斯特开创了标题音乐，俄国、东欧和北欧作曲家的作品则带来了不同民族的风情。法国的比才、意大利的威尔第和普契尼、德国的瓦格纳推动了歌剧的繁荣。历史学家注意到艺术风格是在古典派和浪漫派这两个极端之间变换的。这两派的艺术家都力求表达特定的感情，并寻求在完美的形式中表现这种感情。但他们的观点不同。古典主义追求条理、平衡和宁静，浪漫主义则要标新立异、渴求如醉如痴的狂喜。古典派的艺术家在对待艺术和生活时有比较客观的倾向，他们力图理智地观察生活，并要"完整地看到它"。而浪漫派的艺术家则有强烈的主观色彩，从个人情感的角度去观察世界。德国哲学家尼采在他的论艺术的文章中，戏剧性地将这大不相同的两派比作阿波罗和狄俄尼索斯：阿波罗是光明和诗歌韵律之神，与之相对的狄俄尼索斯则是酒神和热情之神。
　　古典主义和浪漫主义交替出现，甚至在开始就同时并存，是因为它们符合了人的自然本性的两种基本动力：一方面，人需要节制，要求那种经过净化和受控制的感情；另一方面，人又要求无拘束地表现感情，渴求未知的和不可得的事物。十九世纪的音乐是和梦想与激情、生与死的深刻思想、人类的命运、神与大自然、对自己祖国的骄傲、对自由的期望、当时的政治斗争以及善对恶的最后胜利联系在一起的。由浪漫主义运动引起的这些理智上和感情上的联系，使音乐作为一种道德力量，作为人类的伟大远见和人的内心生活与周围世界之间的直接联系而取得了十九世纪的支配地位。
6：印象主义
　　印象主义音乐--产生于十九世纪末，是受向征主义文学和印象主义绘画的影响而出现的音乐流派。它力求摆脱浪漫主义的主观情感表现，追求和声化学的新发现。大量采用全音阶、教会调式及平行和弦，不和谐的七九各弦、叠置和弦，造成调性的迷离扑朔，旋律也趋向片断零散。在配器上力图精致纤细，调节着音乐丰富的明暗层次和浓淡色彩，在朦胧的光色中表现物体的气氛和情调。1892年，法国作曲家德彪西创作了管弦乐序曲《牧神午后》，最初确立了印象主义音乐的地位。这部根据象征主义诗人马拉美的诗歌写成的作品，以细腻的笔触渲染出朦胧的气氛：描写一个牧神在炎热的阳光下，昏昏欲睡时产生的种种幻觉。在他的歌剧《佩里阿斯与梅丽桑德》以及许多钢琴曲（如《意象集》、《前奏曲》）和管弦乐曲（如《夜曲》、《大海》）中都实践着印象主义的创作手法：泻染神秘朦胧，若隐若现的气氛和色调。对二十世纪音乐的发展有着重要的影响。印象主义的音乐也把情绪和气氛看得比结构重要，也歌颂大自然带给人们的喜悦。印象主义的音乐不久就以它的脆弱、装饰性的美，它的刺激感官的音色，它对弱音响的喜爱，它的典雅、精致和声音之美而独树一帜。它抛弃了华丽、庄重和严肃的德国传统。这一乐派最重要的作曲家--德彪西和拉威尔也是在法国产生。
7：二十世纪
　　在历史上，从来也没有一个时期象二十世纪那样风云变幻。两次大战改变了各国的边界和人们的思想方法，科学正在以令人目眩的速度把我们推向一种尚未为人所知的未来。在反时代精神的策动下，各种艺术，如绘画、雕刻、文学、戏剧和音乐，正在冲破着各种旧的形式，试图表现新的生活方式。
　　二十世纪五十年代后的先锋派作曲家们完全抛弃了传统的音乐价值，追求艺术表现的绝对自由，因而他们音乐的那种深奥玄秘的特点使绝大多数音乐爱好者为之瞠目。这是音乐史上的新现象。从来没出现过像现代作曲家与公众之间这样宽的鸿沟。在某种意义上，绘画和雕塑领域里在某种程度上有与此相平行发展起来的现象，但文学和戏剧领域却没有受到多大影响。不仅形式体系与和声体系被摒弃，连整个旋律的概念都完全改变了，虽然旋律只是音乐的要素之一，但却是直接影响听众的最重要的因素。因为旋律概念的改变，新的音乐作品使听众困惑不解，与听众疏远了。更麻烦的情况是，现在没有一种统一的风格，也没有几种占统治地位的风格，现在的状况是有多少作曲家就有多少种风格。 勋伯格的十二音体系被许多作曲家所采用，他们以不同的方式运用和发展了这种体系，即使反对这个体系的人也赞同体系中包含有的观念即音乐的调性概念已经完成了使命，再也没有效用了。抱着这种现念，作曲家们试验一些胡乱堆砌而成的音乐，在他们的创作和独奏中发挥作用的是一些偶然因素；他们还试验所谓"具体音乐"，也就是模仿各种各样的声响。从音乐声响到交通噪音，把这些声音录制下来再巧妙地加以处理。还有其它许多作曲方式。现在还不可能预言这些试验会有什么结果，因为第一，我们距离它们太近，不能作出正确的评价；其次，这些作品的作曲家随时都在改变他们的方向以追求新的东西。而且任何新作曲系统的成型都需要时间。很多作曲家现在所做的不过是提出了一种新的音乐语言，创造了一些新的声响，打一个粗略的比喻，就像作家发明了新的词汇，但还没能把它们组合成能向读者表达清楚意思的句子。 当然，也有部分作曲家成功地写出了易于为大众接受的先锋音乐，他们是欣德米特（P·Hindemith，1895-1963）、梅西昂（O·Messiaen，1908-1992）、 卡特（E·Carter，1908- ）、卢托斯瓦夫斯基（W·Lutoslawski，1913- ）、亨策（W·Henze，1926- ）以及彭德雷茨基（K·Penderecki，1933- ），他们的音乐日见频繁地在音乐厅里演出。其他一些作曲家，像施托克豪森（K· Stockhausen，1928- ），有极强的个性，虽然他们的音乐一直面向专门的听众，他们的创作和音乐活动还是给了音乐界以猛烈的冲击。只有让时间来评判这些作曲家是为后人披荆斩棘开拓新道路的先锋呢，还是在传统崩析、缺乏方向的历史时期里出现的过眼烟云。
一、现代音乐的特点在每个国家，本世纪的作曲家们都在对音乐的诸要素，如节奏、旋律、和声、曲式等进行着实验。本世纪杰出的前苏联作曲家肖斯塔科维奇曾经说过，他赞成这样一种音乐，在其中所有的主题都绝对不出现重复，而且每个小节都应当同前面所有的小节完全不同。许多作曲家都对节奏进行着实验。有的作曲家写出了既没有小节线，也根本没有节奏型的乐曲。其他现代作曲家们正在制造另一种音乐，在这种音乐中，一个管弦乐队或合唱队的两个部分有完全独立的节奏。
　　这些现代派也许没有认识到：这种不同节奏的同时使用早在美国印第安人的音乐里就已经出现了。作曲家们还在旋律上，即各音的横向安排上做出了同样令人惊讶的改变。有些作曲家回到了古希腊人和早年教堂神父们的调式上去；有的作曲家从东方人的滑行音阶取得灵感，将"四分之一音"和比"四分之一音"更小的音程差别运用到了乐曲之中；有些人甚至发明了一架能弹出四分音而不是半音的钢琴。虽然这种音乐并没有得到发展，但它的确有助于使音乐家们更注意半音阶音乐，即利用所有半音的音乐。这种对半音的运用最著名的例子是奥地利音乐家勋伯格的十二音音阶。在形成一个旋律时，十二音音阶（由钢琴上一个八度范围内所有的白键和黑键组成）的每个音都必须逐个用过一次以后才能再用。当然，这种音乐没有特定的调子，因此被称为"无调性的音乐"。在和声（即不同的音同时发音）方面，也有一些惊人的新发展。那些恢复古代调式的作曲家们往往也重新运用了古代的和声，例如多少世纪以来，曾经被传统和声学认为"用起来太僵硬"和"听起来太别扭"的平行四度和五度进行都得到了利用。在现代音乐中，我们还可以发现叫做"多调性音乐"的东西，即同时用两个调子写的音乐。例如，一个旋律或主要的主题可能是C调的，而它的伴奏或助奏声部却可能是升F调的。
二、纷繁复杂的现代音乐流派正如二十世纪的其它艺术形式那样，音乐艺术也趋向于多样化，众多的流派各成一体，都完全脱离了古典的美学传统。
　　 比较典型的几个音乐流派为：
　 以巴托克、斯特拉文斯基为代表的"原始主义"；
　 以欣德密特为代表的"新古典主义"；
　 以勋伯格、韦伯恩为代表的"十二音主义"；
　 以普罗科菲耶夫、 肖斯塔科维奇为代表的"社会主义现实主义"等。
　　本世纪中叶以后，还所谓出现了"序列音乐"、"偶然音乐"、"具体音乐"等略显"怪异"的全新流派。无论文学、美术还是电影、音乐等各个艺术分支，许多二十世纪的现代艺术作品问世之初，总难免遭到非议，其原因或者是与传统美学相悖，或者是难以理解。但是其中又有相当一部分作品经过时间的推移，逐渐得到人们的认可，而成为现代艺术中的名作。乐器方面的变革随着本世纪电子技术的迅猛发展，音乐艺术也受到很大冲击，电声乐器从它的诞生之日起就对传统乐器提出了挑战。不过，那些至今已经得到广泛使用的电子乐器，如电风琴、电钢琴和电吉它，在音色上并不是新的乐器。前两种乐器只是模仿原有乐器的音色，而第三种乐器则只是扩大了原来乐器的音量。后来由于电子合成器的出现，人类终于可以演奏出人声、风雨声等传统乐器所不能实现的音色。对新效果的最富戏剧性的追求是在打击乐器上进行的。
　　从前，打击乐器几乎只是由定音鼓组成的，偶然由鼓和钹加以加强。现在，打击乐器组已经变成一个任何地方似乎都可以接受的东西：例如一个打字机、一个发电码的键、一个锤子、一张铁片、或一条沉重的铁链。从唱片、磁带到CD。自古以来，人类艺术伴随着人类的文明，在历史长河中留下了许多不朽的印记。文学、雕刻与绘画等艺术形式早在远古就通过色彩、形状与线条流传给后世，唯独音乐这种特殊的艺术，却一直无法将声音留给后人。后人只能通过"乐谱"来了解前人的音乐，这就难免在一定程度上对原曲有"曲解"现象。十九世纪末，旧式唱片的出现终于使名家的音乐得以完美地保存，音乐会再也不是人们欣赏音乐的唯一途径。但老式唱片的缺点很快就暴露无疑--容量小，寿命短，音质迅速"劣变"。虽然老式唱片几经改革，出现了密纹唱片和立体声唱片，但其缺点并未得到明显改善。因此,磁带便逐步取代了老式唱片的地位。磁带的优点是极其明显的，造价低廉、携带方便、容量较大、寿命长，而且可以很好地保持音质。但是，磁带取代老式唱片并不能算作一次"飞跃"，因为普通磁带的音质实在无法与旧式唱片相媲美。
　　 激光唱片（CD）在音质、容量和寿命等各个方面都达到了十分完美的统一，这种"音乐光碟"的出现，使乐曲的保存技术达到了一个新的高度。目前，这项技术还在不断发展。二十世纪，录音技术的革命对于音乐的普及和教育起到了空前的推动作用。但是，唱片、CD的泛滥，在无形之中阻碍了新一代演奏家、指挥家的创造性发挥，使得现代演奏家、指挥家的风格日益趋向相同。美国爵士音乐可以这样说，在本世纪所有基于民族和社会习俗的音乐中，没有哪一种比美国爵士音乐具有更广泛的影响力了。由于它那狂热的节奏和古怪的不协和音，从某方面讲，它似乎是新时代的一种表现。爵士音乐有许多对职业音乐家们产生吸引力的特色，例如其中带有小三度和小七度的音阶，以及基于小三度和小七度音阶的七和弦等等。可是，最具强烈感染力的爵士音乐特色，是它那独具魅力的节奏。在爵士音乐里，有一种新的切分音--"多节奏性"，即同时有两种很强烈的节奏型相互对立，例如一个三拍子节奏加在一个四拍子节奏上。这种错综复杂的多重节奏显然是原始民族的音乐特点，因此爵士音乐的兴起，无疑是人类对于自然的一种理性回归，这是本世纪各种艺术形式的共同趋向之一。职业音乐家们也被那些不常使用乐谱的、甚至事上常常不会读谱的原始爵士音乐演员们所迷住。在一时冲动下，这些自发的爵士音乐演员有可能在一个旋律上即兴演奏出最复杂的变奏曲。我们在本世纪初美国杰出的作曲家乔治·格什温的代表作《蓝色狂想曲》中，可以找到爵士音乐在节奏上、旋律上和和声上最好的扩展运用。还有另一位美国当代作曲家格罗菲，也成功地借鉴了爵士音乐的特色，结合他那超凡的配器才能，描绘出一系列美国自然风景的音画。格罗菲创作的《大峡谷组曲》，表现了大自然的色彩和情调感，简直是一个令人目眩的乐器调色展览会。